Se tem Lynne Ramsay (Precisamos Falar Sobre O Kevin) na direção, é muito provável que passaremos algumas horas imersos em um drama psicológico que não pega leve tanto com protagonista quanto espectadores. No caso clínico da vez, Morra, Amor traz a depressão pós-parto em pauta e uma Jennifer Lawrence extremamente disposta em seu desafio de representação.
Compreendendo uma década de êxitos narrativos com seus filmes falados em inglês, Yorgos Lanthimos se tornou sinônimo de cineasta que entrega atributos cinematográficos peculiares a fim de contar histórias um tanto sinistras e com uma vontade absurda de causar. No entanto, para quem esperava uma continuidade de escala estética pós Pobres Criaturas, Bugonia há de ser uma completa decepção …ou justamente o contrário?
Em uma era de cinemão carente de novos fenômenos de fandoms engajados, a Universal Pictures encontrou em Wicked um público realmente fiel egresso das várias montagens do musical teatral somando com todo o prestígio do seu elenco capitaneado por Cynthia Erivo e Ariana Grande. Fenômeno de nicho à parte, o êxito do primeiro filme trouxe uma nova leva de fãs que, paralelamente, fizeram a montagem do musical no Teatro Renault, em São Paulo, ter a sua temporada 2025 prorrogada ao longo de todo o ano, agregando gerações aos já aficionados pela peça enquanto buscavam nessa o desfecho que, hoje, encontram em Wicked: Parte 2 e o desafio de se manter à altura do primeiro longa.
É curioso pensar como o título e até mesmo a filmografia do protagonista de O Agente Secreto nos levam a crer que os 160 minutos de filme se tratam de uma narrativa de espionagem, mas há muito mais nas entrelinhas do novo longa assinado por Kleber Mendonça Filho (Retratos Fantasmas, Bacurau, Aquarius). Enquanto resgata uma carnavalesca Recife da década de 1970, a trama nos prepara sobre um ensaio digressivo sobre heranças e resistências de diversas formas.
Em assumida crise de filmes da Marvel Studios (além do medo de não saber o que fazer com Star Wars), ter finalmente demorado o seu olhar em franquias como Alien e Predador parece ter sido a decisão mais certeira da Disney desde a aquisição da Fox, especialmente quando as produções recentes dessas propriedades intelectuais despontaram com narrativas que fugiram dos temíveis reboots e trataram de expandir seus universos além do que já foi visto. Sendo assim, Predador: Terras Selvagens segue em estender as possibilidades de criação com um dos caçadores mais letais do cinema, porém, com uma aventura que vale cada segundo visto.
É uma sensação estranha chegar a uma sala de cinema, assistir a um filme sabendo muito pouco sobre ele previamente e, pouco a pouco, perceber que aquela narrativa era algo que você precisava. Quando o Céu se Engana, de roteiro e direção de Aziz Ansari, bem se aproveita de pautas sintomáticas de uma geração ansiosa e frustrada para um dramédia muito do amistoso.
A Imagem Filmes revelou nesta segunda (3) o primeiro trailer e pôster de Traição Entre Amigas, longa inspirado no primeiro livro escrito por Thalita Rebouças contando com a direção de Bruno Barreto (Dona Flor e Seus Dois Maridos) e estrelado por Larissa Manoela e Giovanna Rispoli.
Distribuído pela Imagem Filmes, o terror psicológico Sombras no Deserto (The Carpenter's Son) que reimagina a adolescência de Jesus Cristo ganhou materiais e data de estreia no Brasil.
A Sato Company confirmou nesta segunda (20) a estreia de One In A Million, documentário que celebra os 10 anos do TWICE, grupo feminino de K-Pop que se tornou um fenômeno global com sucessos como “CHEER UP”, “TT” e “FANCY”. A produção acompanha a trajetória do grupo desde a estreia até os bastidores da comemoração de uma década, com entrevistas inéditas e depoimentos emocionantes.
Mais do que um show, é uma homenagem à jornada das integrantes — e ao amor dos fãs da base ONCE, que acompanharam o grupo em cada passo.
Seria presunçoso dizer que a adaptação de A Longa Marcha, romance escrito por Stephen King (ainda sob o pseudônimo de Richard Bachman), veio para o cinema com muito atraso tendo em mente que se trata de um exemplar publicado em 1979 e que o saturamento das ditas distopias com protagonistas jovens desde Maze Runner a Divergente lançadas na década passada contribuiriam, de certa forma, para o desinteresse de um público que espera encontrar um mínimo de diferencial. Aos cuidados de Francis Lawrence, que conduziu o restante da saga Jogos Vorazes, a versão para cinema se concentra em uma jornada visceral, ainda que sucinta do que poderia entregar.
De um filme de terror que despontou por sua direção caprichada e um par de protagonistas carismáticos, a franquia Invocação do Mal se tornou algo maior do que apenas apresentar o casal de demonologistas vivido por Vera Farmiga e Patrick Wilson. Todavia, por mais que os maiores acertos ficaram a cargo da virtuose de James Wan (e seu diretor de fotografia, Don Burgess), os derivados com mais tempo de tela para Annabelle e A Freira, por outro lado, ficaram aquém do produto principal, que chega agora em seu quarto e derradeiro capítulo sentindo a fadiga de uma fórmula que já foi melhor.
A bibliografia de Stephen King, a um olhar distante, parece ser uma máxima de contos fantásticos geralmente assustadores que, apesar de uma certa mesmice, cativam leitor e espectador com relativo êxito. Tendo encontrado em Mike Flanagan, expoente do terror contemporâneo que despontou de vez com A Maldição da Residência Hill e até Doutor Sono (também escrito por King), um queridinho para adaptar suas obras, acaba que A Vida de Chuck se torna mais um papo redundante de coach do que um drama metafísico de quebrar a cabeça.
Sintoma de uma era em que o gênero de ação ganhou fôlego e sequências de estética pulsante com cenas de operação de câmera intensas capitaneadas por John Wick, Anônimo surgiu no meio da pandemia com sua proposta de trazer um cara totalmente inesperado demonstrando uma destreza de combate absurda contra vilões típicos da franquia estrelada por Keanu Reeves. Nesta sequência que a gente não sabia se esperava, mas que recebe de muito bom grado, Bob Odenkirk segue em seu carisma gigante e sua proeza para a ação para fazer de Anônimo 2 um filme despretensiosamente divertido.
É compreensível se irritar com a suposta falta de originalidade do cinemão comercial logo quando mais uma releitura de Drácula vem à tona em menos de um ano de intervalo com a versão de Robert Eggers para Nosferatu entre tantas outras mal fadadas tentativas que dificilmente alcançavam os pés do elegantérrimo Drácula de Bram Stoker dirigido por Francis Ford Coppola. Porém, tal como o cineasta hollywoodiano que não mede esforços em fazer seus projetos dos sonhos, temos aqui a visão e narrativa de Luc Besson para um clássico que, nas mãos certas, se torna um conto tão potente a ponto de ser algo inédito.
É curioso notar como as boas comédias dos anos 2000 não precisavam se esforçar tanto para se tornarem clássicos imediatos, especialmente a leva de títulos protagonizados por Lindsay Lohan que, naquela época, emplacou Sexta-Feira Muito Louca e Meninas Malvadas em dois anos seguidos e mantendo-se no imaginário e apreço do público. Em sua retomada de acertos, Lohan retoma a parceria com Jamie Lee Curtis para fazer da continuação Uma Sexta-Feira Mais Louca Ainda uma narrativa que segue em diálogo afável entre o choque de gerações.
O retorno do Quarteto Fantástico aos cinemas é um feito, pra começar, maravilhoso de se ver. O que antes parecia um perigo imediato quando o projeto estava nas mãos do insosso Jon Watts (que conduziu a última trilogia Homem-Aranha do Tom Holland, além da chatinha série Star Wars: Skeleton Crew), a versão MCU da família de super-heróis mais querida da Marvel encontra-se agora em mais do que boas mãos, mas com o melhor elenco e um diretor entusiasmado inseridos em uma trama com grandes responsabilidades de entregar, em Quarteto Fantástico: Primeiros Passos, a sua melhor apresentação.
Talvez o requinte estético das fitas mais recentes da Blumhouse e (sobretudo) da A24, sem se esquecer da franquia Invocação do Mal, tenham tornado o terror um gênero em que é preciso cada vez mais um capricho cinematográfico para tornar a obra interessante – o susto só não vale, é preciso assombrar com uma beleza peculiar por mais que o roteiro nunca lá seja grande coisa. Sem esmero nem peculiaridades, O Ritual não tem nada a oferecer ainda mais quando repete a trama batida de exorcismo da forma mais chata possível.
É um feito admirável que Anna Muylaert tenha se tornado uma das cineastas brasileiras mais prolíficas na última década, ainda que a alçada dada com Que Horas Ela Volta? fez com que toda a comunidade cinéfila – e de militantes progressistas – tenham concentrado a sua atenção na diretora e roteirista que, a cada novo título, procura trazer temas contundentes sobretudo quanto à figura feminina na contemporaneidade, por vezes e motivos, sufocantes. É com esmero que Muylaert apresenta A Melhor Mãe do Mundo com um diálogo afável mesmo lidando com tantas camadas problemáticas.
De uma crise das infinitas terras cinematográficas que a DC passou na última década, tentando bater de frente com o Marvel Studios anunciando mais projetos do que efetivamente realizando-os com rara eficiência, foi preciso acatar de vez o desgaste até mesmo externo para que o novo DC Studios co-capitaneado por James Gunn (que fez muita fama por sua trilogia de Guardiões da Galáxia) entendesse todo o cenário para conduzir os super-heróis do selo a um lugar mais favorável ao sol. Auto-consciente das ressalvas da era passada e de um público carente de otimismo, agora, Superman abraça a tarefa de agradar tudo e a todos a fim de ninguém botar defeito.
Kyioshi Kurosawa se apropria das falhas do capitalismo para construir um thriller impactante.
Mente criativa e prolífera, Steven Soderbergh não se permite ficar pra trás e é curioso como o diretor de tantas obras marcantes como Sexo, Mentiras e Videotape, Erin Brockovich, Onze Homens e Um Segredo e até Magic Mike, sem se esquecer de seus experimentos com iPhone entregando Distúrbio e High Flying Bird, sempre tem o que contar no cinema buscando meios intuitivos. Em tempo em que presenciamos dois filmes do diretor em cartaz ao mesmo tempo (Código Preto, todavia, tem lançamento original mais recente), Presença chega como um exercício de estética que parece coisa da A24.
Novo filme de Paolo Sorrentino tem cara de ter sido lançado fora de seu tempo, principalmente pela abordagem sobre personagens femininas.
Seria pernicioso dizer que há um clima de estafa quando mais um filme sobre o narcotráfico do Rio de Janeiro toma as telas logo quando a pluralidade de nosso cinema vem esbanjando uma miríade de histórias que precisam ganhar mais visibilidade e derrubar, por definitivo, o estigma de gente mal intencionada dizendo que a filmografia brasileira só compreende os "filmes de favela". Entretanto, Vitória traz um olhar distinto para tal segmento enquanto adapta um caso verídico de resiliência perante o caos na esperança a se fazer o certo, apesar de todos os riscos de se perder tudo.
Há um grande desejo no cinema queer em se desvencilhar de narrativas tristes e finais nada favoráveis aos protagonistas, ainda que a recente investida na abordagem do "amor líquido" demonstre ser uma temática já em desgaste a partir de títulos (13 Sentimentos, por exemplo) que poderiam entregar um escape mais catártico para essa realidade. O que antes não faltavam narrativas patológicas reservando desfechos infelizes aos protagonistas, agora, o maior problema é encontrar um parceiro ideal enquanto se reveza entre relações frívolas. Se O Melhor Amigo acaba batendo nessas mesmas teclas atuais, são os seus elementos diferenciais que tornam a narrativa divertida de acompanhar.
Desvencilhar a ficção científica de uma crítica socioeconômica é algo impensável, ainda mais quando seu conteúdo traz e provoca reflexões sobre o tempo em que foi criado quase que em uma prevenção a futuros pouco utópicos. Por outro lado, a continuidade de narrativas similares ao longo dos anos acarreta em um desgaste do que antes era um maior diferencial, o que faz com que Mickey 17 não seja a mais revolucionária das obras à parte de seu entretenimento.
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Existem coisas na vida que hesitamos em prosseguir por algum trauma que apenas parecia sepultado no passado, bem como deixamos outras coisas acontecerem pelo simples fato de não querer se lotar de outros problemas além daqueles que nos são particulares. Visando amplitude sem lá muito tato, Pequenas Coisas Como Estas é falho em seu diálogo e em sua exposição sobre traumas nem sempre internos.
É inegável que, em conversas sobre música, sempre vai ter alguém (em um misto de raiva e desespero) para dizer como as músicas e artistas atuais são de baixa qualidade se comparados aos das décadas passadas, culpabilizando ainda a juventude por não gostar do que a pessoa tanto exalta. Que culpa os jovens teriam de desconhecer um artista que há tempos não lança novas músicas ou até mesmo prefere o anonimato após muitos anos de estrada? Como um ato conjunto de rememoração e formação de repertório aos mais novos, as cinebiografias cumprem parte desse papel de apresentar um artista tido lendário em uma trama repleta de intrigas que movem a trama, mas, passados tantos filmes, o que Um Completo Desconhecido vem a trazer de novo ao cinema?
De tempos em tempos, aparecem alguns filmes que extravasam em sua estética para tornar um drama ordinário em uma epopéia suntuosa, além de apostar em uma complexidade narrativa que, por vezes, se estende além do necessário em sua proposta de ter muito a dizer e a mostrar. Tal como as edificações do movimento arquitetônico que lhe dá título, O Brutalista almeja ser um cinemão de arte portando uma austeridade narrativa que se torna muito interessante pelo conjunto da obra.
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Ainda que tenha uma corrente maligna persistente em desdenhar qualquer incentivo à cultura, o exercício artístico segue comprovando o seu poder de transformação – e isso que nem estou falando sobre a experiência do meu filme Outros Abrigos. Mais do que um compartilhamento de um estudo de caso eficaz, Sing Sing é um retrato híbrido não intromissivo do que a arte pode contribuir ao cárcere.
Como pode Emilia Pérez ser um filme tão premiado em sua jornada iniciada no Festival de Cannes ao mesmo tempo em que se tornou alvo de ojeriza (desde já, muito que justificada, em partes) da comunidade cinéfila, ainda mais com suas 13 indicações ao Oscar? Candidato francês para o Oscar de Melhor Filme Internacional, porém falado em espanhol e "situado" no México, o longa assinado por Jacques Audiard (mais conhecido por Ferrugem e Osso) revela ter uma boa disposição em querer se desvencilhar das mesmices dramáticas que sua história poderia ser conduzida, mas sua gana por virtuose é tanta que acaba se esquecendo de ter maior sensibilidade com os temas que decide abordar.
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Muito se fala – e até se ensina – que a Guerra Fria não fora um conflito armado direto entre Estados Unidos e União Soviética, tendo a corrida espacial como uma narrativa amenizadora para todos os podres que ambas as nações cometeram em outros países e até mesmo contra sua própria gente. Relatos desvelados ao longo dos anos só intensificam a má reputação que os EUA, em sua pompa super-heróica contra o comunismo malvadão, revelando uma política de extermínio motivada por conspirações dadas pelo menor sinal de "ameaças" a sua hegemonia. Trilha Sonora Para Um Golpe de Estado só reforça como o país norte-americano é tão bom em vender sua cultura quanto aniquilar a quem decide ser um perigo.
Quando atores tendem a assumir a cadeira de direção, é um feito que merece atenção pela expansão de sua expressividade não mais restrita a parte da atuação ainda que, no fim das contas, pode ser apenas uma progressão de cargo sem muito diferente a contar. Em seu segundo longa como diretor, além de assinar o roteiro e co-protagonizar a narrativa, Jesse Eisenberg mais parece seguir os passos de um icônico cineasta com quem já trabalhou na década passada enquanto sobrecarrega a trama com mais humor do que o necessário.
De tempos em tempos – e isso, acho, tem uns cem anos –, todas as narrativas envolvendo androides no cinema acabam revelando figuras que fogem do controle de sua criação e estimam por maior liberdade, apesar dos caminhos e atitudes contraditórias que tomam contra a humanidade (que até faz por merecer, dependendo do caso). Foi assim com Metrópolis, Blade Runner, O Exterminador do Futuro, Ex-Machina, a série Westworld (em sua expansão do filme da década de 1970) e tantas outras obras que repetem esse paradigma, buscando algum tipo de originalidade apesar de artifícios quase sempre repetidos. Alçando estilo, Acompanhante Perfeita aposta em sua roupagem romântica para encobrir ressalvas.
Nos últimos vinte anos, o mundo pôde acompanhar a eleição de dois novos papas e todas as cerimônias que circundam esse processo que recai toda a atenção perante a Igreja Católica, que muito parece gostar disso em tempos nos quais a doutrina vem perdendo fieis para outras doutrinas neopentecostais que usam e abusam da positividade tóxica e da roupagem freestyle em suas deturpações do mito da Caverna de Platão. Para a Igreja em si, é também um tempo de renovação de votos, ou melhor, de como vai comandar sua influência tendo um novo líder político e o que seus direcionamentos hão de lidar com isso. Após o ótimo Habemus Papam (2011), de Nani Moretti, chegou a hora de mais um confinamento cardeal com Conclave, que surpreende com a sua condução ao lado de um texto afiado.
Com interesse debruçado nos mais diferentes tipos marginalizados que compõem a civilização estadunidense e, disso, extraindo narrativas que exultam a realidade tragicômica dessas pessoas, Sean Baker (Tangerina, Projeto Flórida, Red Rocket) conseguiu atrair o interesse da crítica e festivais em uma trajetória que culminou, no último Festival de Cannes, na entrega da Palma de Ouro para Anora, seu mais novo filme que, apesar de tamanha láurea, demonstra sinais de fadiga da estética do cineasta que, um dia, já foi seu maior diferencial.
Há algo de fascinante nas cinebiografias dirigidas por Pablo Larraín, diretor por trás de títulos biográficos como Spencer e Jackie (isso sem se esquecer da bomba recente O Conde). Tudo é filmado com elegância, com uma condução que esbanja sobriedade em seu retrato de passados melancólicos, deixando o espectador cada vez mais hipnotizado em querer descobrir sobre aquelas pessoas de aparências tão glamurosas, porém, como vem a se descobrir, escondem almas melancólicas. Encerrando, então, esta trilogia informal de grandes mulheres do Século XX, é com Maria Callas que Larraín se prova um enxadrista ao utilizar o melhor da linguagem cinematográfica para recontar uma história de vida memorável ainda que se entregue pouco emocionante.
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Com história delicada, Sol de Inverno nos faz pensar em como seria a vida longe de preconceitos.
Passada a experiência traumatizante de Turma da Mônica Jovem: Reflexos do Medo, a estreia de Chico Bento e a Goiabeira Maraviosa é uma lufada de entretenimento certeiro enquanto se faz uma nova versão de um dos personagens mais queridos criados por Mauricio de Sousa. Com produção caprichada, a aventura interiorana diverte por sua ode a imaginação infantil enquanto revive o legado de um dos gêneros mais icônicos do Cinema Brasileiro.
Quando artistas expressam seus desejos em filmar um projeto de tamanha estima, o resultado costuma ser de igual apreço, vide os tantos anos que George Miller dedicou em tirar Mad Max: Estrada da Fúria do papel, muito embora propostas emocionadas como o Megalópolis, de Francis Ford Coppola, não caíram lá no gosto do público. Fazia tempo também que Robert Eggers, um dos nomes mais célebres do terror da última década, há muito desejava fazer sua própria versão de Nosferatu. Nas mãos de quem entregou A Bruxa, O Farol e O Homem do Norte, é como se o conto do horripilante Conde Orlok fosse uma obra inédita tamanha inventividade em expandir o longa de 1922.
